Descubrimos a Dreyma, dúo compuesto por Mel y Cris que acaban de publicar su álbum debut 'Savaje' (puedes leer la reseña aquí) a través de Nooirax Producciones. 

¿Cómo y cuándo nació vuestro proyecto? ¿Quiénes formáis parte de Dreyma y cómo os conocisteis?

Teníamos a un amigo en común: Dani. Era bajista en la anterior banda de Cris (Tina & the Hookas), y el técnico de sonido en la anterior banda de Mel (Santa Marta Golden). Después de coincidir un par de veces, la conexión fue intensa. Empezamos a mandarnos trozos de composiciones hechas en Garageband, formando cadáveres exquisitos, algunos de los cuales han servido para temas de 'Salvaje'. Sin pretensiones algunas, alquilamos un local de ensayo y decidimos grabar un EP. Empezaron a salir bolos y girar juntas era tan bonito y perfecto que desde entonces fluimos.

¿En qué lugar se fraguó la banda? ¿Dónde residís ahora?

Nos conocimos en Málaga y en 2019 decidimos mudarnos a Barcelona aunque sigamos con medio corazón en Andalucía.

¿Cuáles son vuestras principales influencias y qué os ha motivado a la hora de componer Salvaje?

Nos dimos cuenta de las referencias posteriormente, pero Anna Von Hausswolff, Dengue Dengue Dengue, Warpaint, Björk, Oso Leone, James Blake y películas como Suspiria o The Witch, tanto visualmente como auditivamente, nos afectaron en todo el proceso de creación. La cuarentena seguramente, también. Una situación rara, desconocida. La necesidad de volver a conectar con la naturaleza,  interior y exterior. Con lo esencial. Todo esto.

¿Qué razones os llevaron a montar la banda?

No hubo razones claras. Fue algo muy natural que floreció a la vez que nuestra amistad. Durante muchos años y desde casi el principio no pasábamos un día sin vernos. Ahora incluso vivimos juntas y ensayamos en el local, en casa. La música y el crear es algo tan vital en las dos que no hicieron falta razones.

¿Qué significa para vosotras ser parte de Dreyma?

Un universo propio donde experimentar, compartir, desahogar, liberar, reflexionar, disfrutar, no mirar atrás, ser una misma y crear sin limitaciones.

¿Un disco que os haya marcado y queráis recomendarnos?

Mel: La banda sonora de 'Suspiria' por Thom Yorke que transforma el aire desde el primer segundo.

Cris: 'Charcoal' de Brambles, a mi me hace vibrar cada centímetro de interior, cierra los ojos y déjate llevar.

¿Un concierto al que hayáis asistido y que os haya marcado?

Estuvimos juntas viendo a James Blake en Bristol y estábamos tan cerca tanto de él como del subwoofer que fue algo trascendental. Aún así, yo (Mel) me quedaría con el concierto de Ala.ni en Málaga en el que lloré varias veces y que fue coronado por un abrazo suyo. Fue como una bendición. Me atrevo a decir que me cambió la vida (musical).

Same as Mel (Cris), aunque añado también el concierto de Daughter en la Apolo, en Barcelona, 2013, tocaron ‘If You Leave’ y aquello me reventó el corazón, vaya éxtasis.

 ¿Cuáles han sido los mejores y peores momentos de la banda?

Hemos tenido suerte hasta ahora, no ha habido peores. Los momentos duros siempre fueron consecuencia de un trabajo duro para llegar a lo que realmente queríamos. Tocar en escenarios donde te oyes bien sigue siendo un top. 

Haber tocado en una iglesia. Cuando te dan de comer maravillas. Los viajes en furgo. La presentación del disco anterior en el Museo de Bellas Artes. Los momentos de producción con Marcos Muñiz en la casa de campo. Las risas. Cuando componemos y sale ese algo y nos miramos y decimos “Woooooo!”.

¿Bandas con las que os gustaría girar?

Ibeyi, Maria Arnal, Pains, La Luz, Mohama Saz porque el otro día los vimos en directo y tienen pinta de ser de esos con quien te ríes hasta que te duelan las mejillas, y Emma Ruth Rundle.

¿Un sueño por cumplir?

Una gira de iglesias en Islandia. Tocar en Sudamérica y/o Japón :)

Muchas gracias por vuestras respuestas. Si queréis añadir algo más para nuestra audiencia y despediros, adelante.

¡Gracias a vosotros! Empezaremos a tocar muy pronto para presentar 'Salvaje' y nos morimos por volver a conectar con la gente en el mundo real.

Los neerlandeses Cryptosis publicaron su álbum debut "Bionic Swarm" el pasado 26 de marzo a través de Century Media. El pasado 24 de abril este power trio de thrash metal presentó el álbum en directo en un concierto en streaming y de forma gratuita a través del canal de Youtube de Metropool. Si se te pasó, ahora puedes verlo aquí:

Heavy Feather - Mountain Of Sugar (The Sign Records 2021)

Fecha de Publicación: 9 de Abril.

Tracklist:

Los suecos Heavy Feather acaban de publicar "Mountain Sugar", su segundo y brillante álbum a través de The Sign Records. No perdimos la oportunidad de hablar con Matte, guitarrista de la banda que amablemente contestó a nuestras preguntas.

Puedes leer la entrevista en inglés aquí.

Hola, gracias por vuestro tiempo, ¿Qué tal estás?

¡Estamos bien! El segundo álbum "Mountain of Sugar" fue lanzado la semana pasada y estamos muy emocionados por ello. ¡Realmente orgulloso del álbum y contento de poder compartirlo!

¿Qué tal ha ido la recepción del álbum y de los singles?

Ha ido bien. Creo que es difícil lanzar solo singles. Todo el mundo lo hace, por lo que es difícil llegar a todo el mundo. Es más fácil cuando sale el álbum. Hemos estado haciendo mucha prensa, entrevistas como esta, blogs, podcasts y entrevistas a revistas. Y también obtuvimos excelentes críticas sobre el álbum. ¡Estoy muy feliz por ello! ¡Parece que lo estamos llevando al siguiente nivel!

Para quien no conozca a la banda, ¿Cuándo y donde nació Heavy Feather?

Heavy Feather nació en Estocolmo, creo, en 2017. Lisa, Morgan y yo queríamos crear una banda de rock que tocara música de la vieja escuela, el sonido de un trío de Hard rock de los 60 con cantante. Ola se unió a nosotros y comenzamos a escribir el primer álbum que se grabó un año después.

¿Cómo fue el proceso de escritura y grabación? supongo que mucho sonido analógico.

Comenzamos el proceso en el otoño de 2019 conmigo grabando demos aquí en Estocolmo, luego Lisa escribió su letra y luego lo ensayamos unas semanas antes de llegar al estudio. Una forma bastante rápida de trabajar y funcionó absolutamente. Algunas de las canciones son en realidad de las primeras sesiones de grabación del álbum, ideas que no tuvimos tiempo de desarrollar en ese entonces.

En realidad la grabación no es analógica, pero tocamos muchos equipos antiguos. Creo que gran parte de ese sonido analógico es psicológico; está en tu mente y tus dedos. Son casi grabaciones en vivo y tocamos como tocamos; de la vieja escuela. Así que creo que no podemos sonar como nuevos, incluso si tocamos con el equipo nuevo más moderno. Estoy muy orgulloso del sonido y la producción. Errka Petersson, nuestro productor hizo un gran trabajo.

Ambos álbumes están grabados en el mismo estudio con Erik “Errka” Petersson como productor. Llevamos años trabajando junto con Siena Root.

El primer álbum fue grabado en un 80% en vivo, incluidos los solos de guitarra y las voces. Así que lo hicimos bastante rápido, 2-3 días. "Mountain of Sugar" se grabó más como un álbum de estudio, sigue siendo el sentimiento en directo pero grabado con más cuidado. Tuvimos tiempo para probar cosas, experimentar y probar diferentes cosas en algunas canciones. Grabamos 13 canciones y 11 de ellas están en el LP. 

La diferencia entre los dos álbumes fue que el primero estaba más basado en jams que hicimos. - Toquemos este riff como prueba de sonido y luego escribimos una canción a partir de él. - . También fuimos en coche a una casa en el archipiélago y escribimos el resto de las canciones allí. Me encanta esta forma de trabajar, suena a cliché pero es una forma maravillosa de hacer las cosas. 

El trabajo previo en el segundo álbum fue más bien al revés. Grabé demos con "letras falsas" aquí en Estocolmo, a veces con Ola, y luego Lisa escribió la letra y luego lo ensayamos unas semanas antes de llegar al estudio. Quizás no sea una forma tan romántica de trabajar en un álbum de rock pero da resultados.

¿De dónde viene vuestra inspiración para componer nuevas canciones?

Depende ... A veces escucho algunas canciones y pienso "oye, tenemos que escribir algo como esto" o, a veces, simplemente improvisamos en un riff básico y en otras ocasiones es solo una canción que sale de la nada ...

Es increíble la cantidad de bandas de Suecia que están haciendo rock clásico, sólo hay que ver algunas de las bandas con la que trabaja vuestro sello discográfico ¿Qué tal es trabajar con The Sign Records, supongo que al ser de vuestro propio país será todo mucho más fácil.

Es mucho más fácil trabajar de forma cercana con alguien que conoces de Suecia, por supuesto; el mismo idioma hace mucho y también es en la misma parte del país. Estamos muy orgullosos de ser parte de “The Sign Family”. Están en el lugar correcto y lanzan muchas bandas geniales, nuevas e inspiradoras. Es la elección perfecta para nosotros y están haciendo un gran trabajo. También he estado trabajando con ellos antes con Siena Root, así que me pareció natural trabajar con ellos.

¿Cómo os ha afectado la pandemia como banda?

Tuvimos suerte porque terminamos la última gira del primer álbum en febrero de 2020, exactamente antes de que la pandemia llegara a Europa. Y de inmediato estuvimos trabajando en los últimos detalles de este álbum “Mountain of Sugar”. Así que creo que nos vimos afectados por primera vez este verano y otoño. ¡Pero aún esperamos poder hacer algo de gira este año!

En 2019, hicisteis una extensa gira por España. ¿Habíais estado antes en España?

Fue la primera vez con Heavy Feather, de hecho la primera gira para nosotros. Pero todos en la banda han estado de gira en España antes con otras bandas, para mí y Lisa con Siena Root un par de veces. Ola y Morgan han estado allí con Stacie Collins y Diamond Dogs. Me encanta tocar allí, siempre es divertido y por supuesto el clima!!

¿Qué  recuerdos tenéis de esa gira? Supongo que echareis de menos el poder tocar en directo.

Mi recuerdo más espontaneo es que fue complicada. Condujimos en coche desde Suecia a España, así que creo que hicimos 9000 km para once conciertos.  fue duro pero también muy divertido. Necesitábamos esa gira para aprender a tocar juntos.

Por nuestra parte es todo, mucha suerte con vuestro nuevo álbum y esperamos poder veros cuanto antes girando por Europa y España.

¡Muchas gracias! ¡Esperamos que nuestra gira por España en septiembre se lleve a cabo! ¡Mantengamos los dedos cruzados!

La banda norteamericana de Portland (Oregon) Bewitcher publicará el próximo 16 de abril su tercer álbum "Cursed Be Thy Kingdom a través de Century Media. No perdimos la oportunidad de hacerle una serie de preguntas a su vocalista y guitarrista M. von Bewitcher que amablemente nos atendió.

Hola, gracias por vuestro tiempo ¿Qué tal estáis?

Gracias a vosotros, estamos bien!

¿Qué tal está siendo la acogida de vuestros singles?

En general ha sido muy positivo. Siempre tenemos los típicos llorones quejándose de que las canciones no son lo suficientemente rápidas, etc., pero la gran mayoría de los comentarios parecen indicar que la gente está investigando sobre el nuevo material.

Para quienes no conozca a la banda, cuando y como nació Bewitcher

La banda se formó en 2013 oficialmente como un proyecto de estudio, conmigo y Andy haciendo demos en su apartamento. La banda en la que estábamos juntos se acabó y tuve una idea para un nuevo proyecto que estaría inspirado en gran medida por gente como Venom, Bathory, Motörhead y Celtic Frost, entre muchos otros.

“Cursed Be Thy Kingdom”  es vuestro tercer álbum, primero con Century Media. ¿Qué diferencia podremos encontrar con respecto a Under The Witching Cross?

Con este disco buscamos una producción más cálida y nos enfocamos más en la atmósfera de ciertos lugares. La composición es solo una expansión de las cosas que comenzamos a hacer en "Witching Cross", apoyándonos un poco más en nuestras influencias tradicionales de metal y hard rock.

¿Qué os ha supuesto trabajar con un sello como Century Media?

Ahora hay mucho más por hacer en el aspecto comercial, por lo que ha sido un ajuste para nosotros en el día a día. Han apoyado mucho a la banda y están haciendo lo que pueden para dar salida a la banda lo antes posible.  

Tenéis un estilo muy de la época de las viejas glorias del rock pero con una frescura del siglo XXI ¿Cuáles son vuestras influencias?

Aparte de las bandas que ya mencioné, estamos bastante influenciados por el NWOBHM, el hard rock de los 70, el viejo punk, el blues y el proto-black metal de principios de los 80.

He leído que vuestros primeros discos, no teníais batería y que eran programadas, supongo que ahora será todo mucho más fácil.

(Risas) solo lo hicimos con el material de las demos iniciales. Tocamos con un batería en vivo desde 2015.

¿Cómo os está afectando la pandemia como banda, habéis podido girar este 2020?

Desafortunadamente, no hemos podido tocar en vivo desde febrero de 2020. Nos ha dado tiempo para concentrarnos más en el disco, lo cual fue bueno, ¡pero ahora es el momento de volver a subir al escenario!

¿Tenéis algunas fechas cerradas para este 2021?

Todavía no, ¡pero esperamos tener noticias más adelante este año!

Por nuestra parte es todo, desearos mucha suerte con el nuevo álbum y esperamos que podáis presentarlo cuando antes y podáis presentarlo también en España. ¡Gracias!

¡Gracias! También esperamos con ansias ese día. ¡Estamos ansiosos por visitar España por primera vez y aterrorizar  sus hermosos paisajes! ¡Salud!

Hoy voy a hablar sobre los trabajos en estudio de la banda sueca, y mis teorías sobre su situación interna y como esto ha repercutido, y mucho, en su forma de componer. Aclaro varias cosas: todo esto lo expongo desde la perspectiva de seguidor del grupo que soy, sin ánimo de hacer sangre. Solo comentaré los discos de estudios, LPs concretamente.

Para empezar, hablemos un poco de "Entropia", su primer disco. Encontramos una banda joven llena de energía y locura, pero con la suficiente madurez como para dar a luz un trabajo conceptual complejo, con motivos temáticos que aparecen a lo largo del lp y una serie de recursos musicales que el grupo desarrollaría en los siguientes tres discos: imitaciones, diferentes arpegios simultáneos, estructuras no convencionales, desarrollos instrumentales largos, grandes solos de guitarra, y, en general, una instrumentación muy bien aprovechada.

      

Hasta aquí, tenemos una discografía muy sólida, con mucha personalidad y coherente. Pero, para el siguiente disco, deciden (o mas bien Daniel Gildenlöw decide) dar un giro y crear una obra conceptual diferente.

         

"BE" es un trabajo muy ambicioso, y es el paso lógico en una carrera ascendente tanto en la calidad como en lo experimental. Pero para mi aquí comienza el declive, y lo explico: si bien es cierto que el disco, como concepto, es tremendo, tiene sus luces y sombras. Es el primer disco que siento no está equilibrado, si bien el orden de las canciones e interludios se suceden por razones temáticas de las letras, la música a veces no fluye como en los anteriores trabajos.

Y, aunque tiene algunas de las mejores canciones del grupo como la enorme "Iter Impius", tiene momentos que me sacan totalmente del ambiente espiritual, como "Dea Pecuniae", que entiendo como una broma, pero que no llego a situar para nada musicalmente en el contexto. Tenemos aquí el primer disco irregular del grupo, y justo después ocurre la primera partida: Kristoffer Gildenlöw abandona la banda. A partir de aquí empiezan a ocurrir ciertos sucesos que me hacen pensar mucho sobre lo que ocurre dentro.

 

Después del experimento, Pain of Salvation vuelven al sonido de los anteriores discos con Scarsick, dando mucho protagonismo a las guitarras, voces desgarradas y a veces recitadas... hay que decir que esta es la segunda parte de su tercer disco The Perfect Element. 

El trabajo empieza bien, con la homónina, y nos da una canción tremenda en la segunda pista, "Spitfall", puro sonido marca de la casa. Pero tiene dos canciones que musicalmente se salen del resto: "América" y "Disco Queen". Como ocurría en el anterior trabajo esta vez son dos las canciones que tienen cierto aire cómico, cosa que sorprende viniendo de un grupo de música tan seria y "trágica". El porqué incluirlas, creo que son cosa del que está a punto de ser el líder absoluto, Daniel Gildenlöw.

A partir de la enorme "Kingdom of Loss" el disco se recupera y acaba muy bien con "Enter Rain". Pero deja un sabor agridulce, ya que aquellas dos canciones cómicas restan seriedad al conjunto. Además, se empieza a notar cierta sensación de simpleza en la música. Muchos de los recursos musicales de los que hablaba al principio no están o son usados muy poco, y las estructuras empiezan a ser más simples, no siempre, pero las canciones comienzan a ser más predecibles, y hay más repeticiones de las mismas partes. Todo esto no es necesariamente malo, siempre y cuando no se lleve al extremo, cosa que si ocurrirá más adelante.

Hay que mencionar que el batería Johan Langell también abandona el grupo después de este disco. Segunda baja importante. Resumiendo, un buen disco que podría haber sido más grande, un líder cada vez mas absolutista (leed los créditos de las canciones) y una tendencia a alejarse de la complejidad compositiva de los primeros trabajos. Y para entender aun mejor lo que ocurre en el grupo en esta época, si podéis echadle un vistazo al documental "I Put Myself On Fire", que sigue las andanzas del grupo en esta época.  

 

En 2010 y 2011 ven la luz los discos "Road Salt" parte 1 y 2, discos gemelos que, según Daniel Gildenlöw, son el mismo concepto partido en dos. La banda cambia su sonido metálico por otro más retro, crudo y se acerca por momentos al rock clásico de los 60s y 70s.

                                                                             

 

La formación, por cierto, continua como cuarteto con su nuevo baterista Léo Margarit, que, todo sea dicho, hace un gran trabajo. En general ambos discos me gustan bastante, aunque prefiero el segundo ya que el primero me parece bastante irregular, y en el segundo reconozco más al grupo, sonando refrescados por el cambio de estilo pero manteniendo casi siempre su personalidad. Lo único que no me gusta son esos momentos que suenan a western. 

Cuando la banda se centra en hacer canciones de rock o baladas, medios tiempos, folk... aciertan y tienen muchos buenos momentos, alejados del drama y del metal, pero como digo manteniendo su personalidad. A mi parecer, creo que hubieran ganado mucho si hubieran seleccionado el material para un solo disco, pero eso ya es cosa mía. Como sea, vemos muchos recursos musicales interesantes, buenos solos de guitarra, juego entre las voces, mezcla de estilos, ritmos irregulares, y más elementos típicos del grupo pero en otro contexto más rockero y con ese aire retro, además de cierta simplificación de las canciones y los riffs, aunque no excesiva. Las estructuras varias desde lo más simple, como el tema título, hasta desarrollos intrumentales muy interesantes como "Eleven", o la magnífica "The Physics of Gridlock". 

Resumiendo, una pareja de discos en la que, a mi parecer, sobran canciones, pero con muchos aciertos, que sirve para renovar el estilo y demostrar que la banda podía seguir haciendo cosas muy interesantes, e incluso canciones tan geniales como las de sus mejores tiempos.

En el lado negativo, Johan Hallgren (guitarra) y Fredrik Hermansson (teclados) abandonan el grupo, evidenciando que la crisis interna era algo muy serio. A partir de aquí, creo, el grupo realmente desaparece para convertirse en Daniel acompañado de músicos.

             

 

El siguiente paso discográfico es "In The Passing Light Of Day", el primero y único con Ragnar Zolberg a las guitarras y voces. Esta es una época convulsa, había mucha tensión en el seno de la banda, sobre todo entre Ragnar y Daniel. Como se ve en los créditos del disco, el ahora ex-guitarrista contribuyó en la totalidad de las canciones, e incluso en alguna letra. Al parecer el mismo Daniel le pidió que le ayudara en las tareas de composición.

Y esto nos lleva a la música. ¿Qué encontramos en el disco? Pues en general hay buen material, buenas ideas y algunas grandes canciones. ¿Lo malo?. Se evidencian las faltas que vienen de lejos: excesiva simpleza, estructuras predecibles, falta de recursos musicales, armonía demasiado evidente (los acordes I-VI del modo menor son contantes en todo el disco), apenas hay solos de guitarra, solo hay conexión temática entre dos canciones... que todo esto no es malo, ojo, pero no es lo que hizo grandes a los discos anteriores de la banda. Nos encontramos muy buenas ideas bien desarrolladas (Angels of Broken Things), canciones con la atmósfera de antaño (Meaningless), y buenas ideas que se quedan en eso, solo ideas. 

Suelto la bomba: la suite que cierra el disco, "The Passing Light of Day", me parece una oportunidad desaprovechada. Tal cual. Para empezar, no es necesario repetir CINCO veces el estribillo sin apenas variación. No hace falta repetir las mismas partes una y otra vez. No hay grandes contrastes, no hay solos, no hay juego entre las voces, ni de dinámicas, ni de armonía... el comienzo es precioso, no lo niego, y Daniel canta genial, la guitarra es perfecta... pero ahí se queda, la canción podría haber sido una obra maestra pero es la confirmación de que Daniel, para ser genial, necesita a sus antiguos compañeros componiendo con él, y necesita dejar el ego a parte. Debe dejar espacio a los músicos, a las guitarras, a lo teclados. Ahora él es el centro de todo y la música se resiente mucho. 

Resumiendo, un disco bueno, con grandes momentos, pero no es un retorno a las raíces ni nada por el estilo. Es un disco disfrutable y poco más. Lo peor es que Panther va a confirmar todo esto.

 

Voy a empezar fuerte: en mi opinión, "Panther" es el PEOR disco de PoS. Basicamente tiene todas las faltas que su anterior disco y añade más: estructuras predecibles, un guitarrista enorme (Johan Hallgren) totalmente desperdiciado, un sonido demasiado sucio y poco definido, y encontramos experimentos que, a mi juicio, no funcionan para nada. Pero, aunque no lo parezca por mis palabras, Panther no es tan malo como lo pintan y no creo que sea el desastre absoluto que muchos dicen. Me explico.

 

Creo que la elección de los adelantos ha sido totalmente errónea, porque me parecen las peores canciones del disco. Hay momentos muy dignos y disfrutables, como "Unfuture", la grandísima "Wait", "Keen to a Fault" o la última pista, "Icon", aunque de nuevo creo que le sobran minutos. Hay momentos horribles, como "Restless Boy", el exceso de sintetizadores que parecen sacados de finales de los 90´s, por supuesto, pero aun así hay canciones rescatables. Tal vez no lleguen a la genialidad de los primeros discos, pero no es tan malo como lo pintan. 

El gran fallo, a mi parecer, sigue siendo el exceso de protagonismo de Daniel. Acapara tanto que ya no suena a grupo, me suena a proyecto en solitario. Han perdido esa magia que tenían cuando todos aportaban algo, por poco que fuera. La pérdida mayor es, creo, Fredrik Hermansson. Además de haber compuesto grandísimas canciones (Iter Impius, por ejemplo), aportaba mucho con sus líneas de piano y sintetizadores, cosa que a día de hoy no tienen. Y creo que servía de equilibrio al exceso de Daniel. Veremos hacia donde nos llevan sus siguientes discos, si la polémica levantada por Panther hará que Daniel se reafirme en su visión de la banda o que. Como sea, seguiremos escuchando y esperando.

 

Así finaliza mi reflexión personal sobre PoS. Como dije al principio, todo esto es percepción mía, basada en mis gustos y opinión, que nadie se sienta ofendido, pero estaré encantado de leer las vuestras reflexiones

 

Texto: Raúl Lupiáñez de SomeWhereOut.

 

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